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Cuando Marcos Medina, por estímulo de sus amigas y amigos, decidió participar en el Premio Montevideo 2023, no imaginaba que iba a ser reconocido con el Primer Premio Adquisición entre más de 400 artistas. De todos modos, sí confiaba en su obra; por la calidad, el tema y la honestidad.
El artista nos acompaña a ver su instalación, expuesta, en el marco del Premio, en el Subte Municipal.
Marcos no trabajó esta obra en función del premio sino que siguió el camino que ya venía transitando durante los dos años anteriores. Sus dibujos aluden a violencia en situaciones de marginalidad, violencia policial, violencia sistémica; experiencias que también son propias. Creció en un contexto marginal; a sus siete años su padre fue muerto por la policía; en su juventud sufrió las razias posdictadura; conoció el prejuzgamiento, la discriminación.
Técnicamente, describe su trazo como gestual y personal; "un trazo callejero". Dibuja y pinta desde siempre. Se sumó a los grafiteros de las calles de Pando, a los seguidores del hardcore; comenzó a vincularse con otros jóvenes artistas, músicos, interesados en la literatura. En 2008 ingresó al taller de Gustavo Tabares, donde empezó a trabajar con la intención de profesionalizarse.
Describe su metodología y su técnica: trabaja sobre el papel, imprime, recorta, prueba. Como dispone de poco espacio para trabajar solo puede ver dos obras a la vez; por eso, para visualizar el conjunto, debe imaginar una composición entre todos los fragmentos (un "photoshop cerebral").
Ya fuera de la sala, en la plaza, Marcos sigue reflexionando sobre la condición de marginalidad. Dice que esa cualidad no se define solo por lo territorial; acompaña a la persona aunque cambie de barrio, persiste el sentimiento de diferencia, el miedo de no adaptarse a otros contextos.
Al mismo tiempo, con énfasis, dice que está orgulloso de venir de su barrio, que es el ámbito que lo formó, y que está agradecido a ese entorno y, destaca, a su madre.
Cierra nuestra charla con otros reconocimientos: a sus amigas y amigos, al medio artístico, a Montevideo.
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El maestro Héctor Laborde nos recibe en su casa-taller en Sayago. Entre otras obras, nos muestra las que formarán parte de "Obras en construcción", exposición en homenaje a su maestro Miguel Ángel Pareja, que tendrá lugar en el Centro Cultural Pareja de Las Piedras.
En un espacio "de pasaje" en su casa, con obras en proceso, que va modificando, destaca precisamente el valor de retomar el trabajo en cada obra, seguir revisitándola con el paso del tiempo; en definitiva, reconocer el valor de la duda. Esto responde a enseñanzas de su maestro Pareja; con él aprendió que la pintura se trabaja. Es necesario el talento, pero no alcanza; el trabajo es lo que la consolida; por eso acostumbra retomar las obras, y eso las mejora. Reconoce que es un camino infinito, que la obra de un artista siempre será incompleta; pero eso, dice, no es lo que importa, sino que lo que haga sea auténtico.
Durante la entrevista, con generosidad, Laborde sigue profundizando en esos y otros conceptos teóricos que fundamentan su obra.
Comparte sus reflexiones acerca de forma y color: "Siempre que hay un problema, es de dibujo, no de color". Recuerda que Pareja decía que si un dibujo está bien hecho, se pinta solo. Y, precisamente, refiriéndose al dibujo, dice que cuando dibuja no piensa en la forma sino en el contenido, y a partir de eso "el dibujo aparece". Nos precisa que se refiere al contenido espiritual, ya que el arte es una transferencia espiritual (laica, aclara).
Nos habla del Taller KO, que fundó después de que la Escuela Nacional de Bellas Artes fue clausurada por la dictadura en 1973.
Finalmente, nos acompaña en la visita a su muestra homenaje en el Centro Cultural Pareja de Las Piedras. Durante el recorrido describe diferentes técnicas que utiliza (impresos digitales, a veces intervenidos con pintura acrílica, también xilografías, collages). Se detiene en su serie "Desaparecidos", en memoria de los detenidos desaparecidos durante la última dictadura.
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"Así como se investiga el mundo de la naturaleza, se pueden buscar semejanzas entre recortes, que son fragmentos de vida". En torno a esta y otras ideas trabaja en sus collages Ignacio Porzecanski, artista, doctor en Genética, docente en la universidad norteamericana de Florida.
Ignacio estuvo en el Museo Zorrilla de su Montevideo natal presentando su libro Poemas visuales, editado por pozodeagua y prologado por Pincho Casanova. Hablamos de la relación entre ciencia y arte; de lo aleatorio; de constantes en su obra: el cuerpo, el consumo, la preocupación por el tiempo.
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Visitamos a Matías Nin en su taller, rodeados de su trabajo actual, una serie de pinturas realizadas a partir de collages digitales propios. El artista nos habla de su interés por llevar el realismo al límite de la dislocación, y de los recursos que utiliza con ese fin: una cierta distorsión de la perspectiva, el falseamiento de los tamaños, la irregularidad de las sombras. Describe en detalle los recursos técnicos que utiliza en su obra.
Matías identifica como sus mayores influencias al pintor flamenco Hans Memling y a David Hockney. Reconoce a sus referentes en el medio, Esteban Smerdiner y Javier Abdala.
Sobre el final de nuestro encuentro, el artista reflexiona sobre la honestidad como condición absoluta en el arte.
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La música ha sido el hilo conductor de la trayectoria artística de Eliana Carvidón. Desde su actividad en la danza, y actualmente con la pintura y el collage, la música está siempre presente: no puede pintar sin ella, y es el punto de partida de cada cuadro.
Sobre su mesa de trabajo, Eliana despliega para El Monitor numerosos lienzos. Habla del carácter autorreferencial de su obra, y de su método de trabajo espontáneo, sin bocetos previos.
Eliana es bibliotecóloga, bailarina, asistió a talleres de cerámica (con Micaela Perera) y de pintura (con Carlos Musso). Hace un reconocimiento a Claudia Anselmi y a su versatilidad en el uso de diferentes técnicas.
Finalmente nos acompaña a su exposición "Naturaleza intrínseca" en TRIBU, en el marco de la muestra colectiva "Flores nuevas".
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Macarena entrevista a Analía Sandleris en su taller. El trabajo en un díptico nuevo de gran formato y la alternancia entre las obras de gran tamaño y las obras pequeñas. La serie “Postales del camino”, de 2006. Sus collages y su trabajo con material de desecho. En la serie de obras pequeñas, la temática de las mujeres de su generación y los mandatos sociales: aquellos “moldecitos de cartón” con que se vestía a las muñecas, una historia de lo privado y de lo que las mujeres debíamos ser. Un paseo por su obra a través de su laptop: materiales como fotos, filtros, pasto, papel. Los pájaros en su obra, las “situaciones irreversibles” como tópico y algunos guiños a Lacy Duarte.
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Ciclo especial en la Bienal de Venecia, donde Uruguay es representado por los artistas Pablo Uribe, Juan Burgos y Raque Bessio, con curaduría de Alfredo Torres el título del envío fue " Paisajes Críticos".
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Entrevista grabada en Buenos Aires, en su casa donde funciona su taller. Nigro habla de su relación con Montevideo donde conoció a Gurvich, su vida en el Cerro y la Feria del Libro y el Grabado organizada por Nancy Bacelo . Enseña diferentes obras en las que ha trabajado, describe técnicas, materiales y métodos, recalca que esto que vemos es sólo una parte de su gran producción artística
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Segunda parte del programa grabado en la feria de arte de Buenos Aires Arte BA; oportunidad para entrevistar a Marta Minujín en el espacio de la galería Loreto Arenas. Además una entrevista a la galerista uruguaya Silvia Arrocés quien representa a artistas uruguayos como Vila, Ramos, Maggi y Rubio. La galería SUR exhibe y vende obras del argentino Berni, y los uruguayos Atchugarry y Gurvich. Conocemos el trabajo de Nicola Costantino y a la galerista Mariana Povarché, representante de Luis Felipe Noé y Xul Solar.