Integrante de una familia en la que la ancestralidad indígena, alternativamente, se mostraba y se ocultaba, Leandro Bustamante Reina creció en Montevideo escuchando el discurso imperante acerca de una sociedad formada por descendientes de europeos. Aunque no se sentía identificado con esa idea, durante su primera juventud tampoco la cuestionaba explícitamente. La toma de conciencia acerca de la numerosa presencia indígena en el país y su propia pertenencia a esa comunidad llegó recién a sus 27 años, gracias a un viaje por otros países latinoamericanos.
El rescate de las palabras y saberes de su abuela materna, sus propias investigaciones, la continuidad del trabajo en su obra, llevó a Leandro a consolidar esa pertenencia y a expresarla en el arte. Hoy se reconoce como indígena y, específicamente, como integrante de la nación charrúa.
En 2023 el artista fue distinguido con el Premio Paul Cézanne que otorga la Alianza Francesa de Montevideo por su obra "Retazos del olvido que nos une". En ese marco recibió a El Monitor Plástico, en la sala de la Alianza.
Acompañado por Ana Gotta, curadora de la muestra, Leandro comparte vivencias familiares; se remite una y otra vez a esa abuela (desde el valor de sus conocimientos a recuerdos que lo sorprenden, como el hecho de que ella usara peyorativamente un término indígena como quillapí); comenta fotografías que son parte de la exposición.
Nos acercamos luego a los dibujos del artista. Están presentados en, precisamente, "retazos", que, unidos, forman una composición de grandes proporciones. Se reconocen fragmentos de algunas de las fotografías familiares; también están recreados hechos históricos (como la batalla de Yacaré Cururú); se incluyen retratos de sus pequeñas hijas, su propia descendencia.
Leandro dice que todos los descendientes de indígenas tienen recuerdos o referencias en "retazos" sueltos, y su propuesta es unirlos. En definitiva, todos convergen en un discurso parecido y forman una identidad. También desde el punto de vista formal el uso de retazos tiene su significación en esta obra; es una referencia a las tolderías. Esa alusión se refuerza por el tratamiento del color (grises y colores terrosos, de paleta baja; los materiales usados son carbonilla y tierras de color).
En muchas de las imágenes el artista "puso el cuerpo", aun haciéndose partícipe de aquella batalla de 1832, donde charrúas y guaraníes vencieron al ejército del gobierno de Fructuoso Rivera (una cierta justicia, apunta Leandro, después de la matanza de Salsipuedes).
Como destaca Ana Gotta, en esta obra el tiempo no está planteado en una secuencia lineal, sino que pasado, presente y futuro se superponen en diferentes niveles de lectura. Las situaciones se destacan en su nitidez o se desvanecen según los momentos que se van atravesando. También se alternan el plano personal con el plano histórico; aunque no separados, sino integrados en una totalidad.

Cuando Marcos Medina, por estímulo de sus amigas y amigos, decidió participar en el Premio Montevideo 2023, no imaginaba que iba a ser reconocido con el Primer Premio Adquisición entre más de 400 artistas. De todos modos, sí confiaba en su obra; por la calidad, el tema y la honestidad.
El artista nos acompaña a ver su instalación, expuesta, en el marco del Premio, en el Subte Municipal.
Marcos no trabajó esta obra en función del premio sino que siguió el camino que ya venía transitando durante los dos años anteriores. Sus dibujos aluden a violencia en situaciones de marginalidad, violencia policial, violencia sistémica; experiencias que también son propias. Creció en un contexto marginal; a sus siete años su padre fue muerto por la policía; en su juventud sufrió las razias posdictadura; conoció el prejuzgamiento, la discriminación.
Técnicamente, describe su trazo como gestual y personal; "un trazo callejero". Dibuja y pinta desde siempre. Se sumó a los grafiteros de las calles de Pando, a los seguidores del hardcore; comenzó a vincularse con otros jóvenes artistas, músicos, interesados en la literatura. En 2008 ingresó al taller de Gustavo Tabares, donde empezó a trabajar con la intención de profesionalizarse.
Describe su metodología y su técnica: trabaja sobre el papel, imprime, recorta, prueba. Como dispone de poco espacio para trabajar solo puede ver dos obras a la vez; por eso, para visualizar el conjunto, debe imaginar una composición entre todos los fragmentos (un "photoshop cerebral").
Ya fuera de la sala, en la plaza, Marcos sigue reflexionando sobre la condición de marginalidad. Dice que esa cualidad no se define solo por lo territorial; acompaña a la persona aunque cambie de barrio, persiste el sentimiento de diferencia, el miedo de no adaptarse a otros contextos.
Al mismo tiempo, con énfasis, dice que está orgulloso de venir de su barrio, que es el ámbito que lo formó, y que está agradecido a ese entorno y, destaca, a su madre.
Cierra nuestra charla con otros reconocimientos: a sus amigas y amigos, al medio artístico, a Montevideo.

El maestro Héctor Laborde nos recibe en su casa-taller en Sayago. Entre otras obras, nos muestra las que formarán parte de "Obras en construcción", exposición en homenaje a su maestro Miguel Ángel Pareja, que tendrá lugar en el Centro Cultural Pareja de Las Piedras.
En un espacio "de pasaje" en su casa, con obras en proceso, que va modificando, destaca precisamente el valor de retomar el trabajo en cada obra, seguir revisitándola con el paso del tiempo; en definitiva, reconocer el valor de la duda. Esto responde a enseñanzas de su maestro Pareja; con él aprendió que la pintura se trabaja. Es necesario el talento, pero no alcanza; el trabajo es lo que la consolida; por eso acostumbra retomar las obras, y eso las mejora. Reconoce que es un camino infinito, que la obra de un artista siempre será incompleta; pero eso, dice, no es lo que importa, sino que lo que haga sea auténtico.
Durante la entrevista, con generosidad, Laborde sigue profundizando en esos y otros conceptos teóricos que fundamentan su obra.
Comparte sus reflexiones acerca de forma y color: "Siempre que hay un problema, es de dibujo, no de color". Recuerda que Pareja decía que si un dibujo está bien hecho, se pinta solo. Y, precisamente, refiriéndose al dibujo, dice que cuando dibuja no piensa en la forma sino en el contenido, y a partir de eso "el dibujo aparece". Nos precisa que se refiere al contenido espiritual, ya que el arte es una transferencia espiritual (laica, aclara).
Nos habla del Taller KO, que fundó después de que la Escuela Nacional de Bellas Artes fue clausurada por la dictadura en 1973.
Finalmente, nos acompaña en la visita a su muestra homenaje en el Centro Cultural Pareja de Las Piedras. Durante el recorrido describe diferentes técnicas que utiliza (impresos digitales, a veces intervenidos con pintura acrílica, también xilografías, collages). Se detiene en su serie "Desaparecidos", en memoria de los detenidos desaparecidos durante la última dictadura.

El artista nos muestra su obra a lo largo de su vida y en lo que está trabajando actualmente yendo a la exposición en Hall Central.