Integrante de una familia en la que la ancestralidad indígena, alternativamente, se mostraba y se ocultaba, Leandro Bustamante Reina creció en Montevideo escuchando el discurso imperante acerca de una sociedad formada por descendientes de europeos. Aunque no se sentía identificado con esa idea, durante su primera juventud tampoco la cuestionaba explícitamente. La toma de conciencia acerca de la numerosa presencia indígena en el país y su propia pertenencia a esa comunidad llegó recién a sus 27 años, gracias a un viaje por otros países latinoamericanos.
El rescate de las palabras y saberes de su abuela materna, sus propias investigaciones, la continuidad del trabajo en su obra, llevó a Leandro a consolidar esa pertenencia y a expresarla en el arte. Hoy se reconoce como indígena y, específicamente, como integrante de la nación charrúa.
En 2023 el artista fue distinguido con el Premio Paul Cézanne que otorga la Alianza Francesa de Montevideo por su obra "Retazos del olvido que nos une". En ese marco recibió a El Monitor Plástico, en la sala de la Alianza.
Acompañado por Ana Gotta, curadora de la muestra, Leandro comparte vivencias familiares; se remite una y otra vez a esa abuela (desde el valor de sus conocimientos a recuerdos que lo sorprenden, como el hecho de que ella usara peyorativamente un término indígena como quillapí); comenta fotografías que son parte de la exposición.
Nos acercamos luego a los dibujos del artista. Están presentados en, precisamente, "retazos", que, unidos, forman una composición de grandes proporciones. Se reconocen fragmentos de algunas de las fotografías familiares; también están recreados hechos históricos (como la batalla de Yacaré Cururú); se incluyen retratos de sus pequeñas hijas, su propia descendencia.
Leandro dice que todos los descendientes de indígenas tienen recuerdos o referencias en "retazos" sueltos, y su propuesta es unirlos. En definitiva, todos convergen en un discurso parecido y forman una identidad. También desde el punto de vista formal el uso de retazos tiene su significación en esta obra; es una referencia a las tolderías. Esa alusión se refuerza por el tratamiento del color (grises y colores terrosos, de paleta baja; los materiales usados son carbonilla y tierras de color).
En muchas de las imágenes el artista "puso el cuerpo", aun haciéndose partícipe de aquella batalla de 1832, donde charrúas y guaraníes vencieron al ejército del gobierno de Fructuoso Rivera (una cierta justicia, apunta Leandro, después de la matanza de Salsipuedes).
Como destaca Ana Gotta, en esta obra el tiempo no está planteado en una secuencia lineal, sino que pasado, presente y futuro se superponen en diferentes niveles de lectura. Las situaciones se destacan en su nitidez o se desvanecen según los momentos que se van atravesando. También se alternan el plano personal con el plano histórico; aunque no separados, sino integrados en una totalidad.

La palabra italiana «percorso» no tiene una correspondencia literal en el castellano. Habitualmente es traducida como «recorrido», elección que deja velada la esencia de la palabra en el original: un movimiento que atraviesa, una dirección definida, un dinamismo marcado. Es revelador conocer la etimología de la palabra: proviene del latín per currere, «correr a través».
En este programa la artista Judith Estela Britez Di Sano, junto a la cocuradora Giulia Ampollini, recibe a Macarena Montañez en la muestra «Percorso Madí», en el Museo Torres García. Es precisamente Giulia quien profundiza en el significado de la palabra «percorso», mientras que Judith nos relata que la elección del nombre surgió en una búsqueda conjunta con el cocurador de la muestra, el también artista Marcelo Larrosa, su compañero.
El uso de una palabra en italiano también alude a las raíces familiares: su abuelo Vincenzo Di Sano, escultor, y su abuela, también artista, nacieron en Italia. Judith, además, ha expuesto su obra allí; «percorso» también alude a ese movimiento.
Giulia Ampollini nos habla del otro componente del título: Madí, una corriente artística multidisciplinar que surgió en la década del cuarenta en Buenos Aires. Fundada por los uruguayos Carmelo Arden Quin y Rhod Rothfuss y por el argentino-húngaro Gyula Kosice, Madí fue una de las primeras escuelas de arte abstracto en Latinoamérica.
En la muestra se encuentran tres vertientes: la geométrica, con las obras concretas; los trabajos más identificados como Madí; y el arte constructivista. Agradece el apoyo de Sofía Kunst, quien fuera esposa de Carmelo Arden Quin.
La artista se interesó en la teoría de Madí a partir del año 2009. Encontró que iba en la misma línea del trabajo que desarrollaba en el ámbito de lo social: la ruptura con las normas establecidas, la búsqueda de caminos nuevos (en definitiva, como en el título: «correr a través»). Rescata el aspecto lúdico de Madí, que Carmelo Arden Quin asimiló de Torres García, con quien había generado un vínculo importante. Judith recoge ese componente lúdico y lo considera clave en su propia obra.
La artista investiga materiales diversos: cartón, hierro, acrílico, textiles, cuero.
Vemos monocopias y obras realizadas en hierro. En estos casos el proceso se inicia con una forma geométrica en cartón que será la matriz de impresión de una monocopia. Finalmente, a partir de esa forma impresa, en muchos casos se genera un trabajo en hierro.
La cámara de Macarena luego recorre obras en telar; algunas de ellas de singulares proporciones, muy angostas y de gran longitud. Judith hace un reconocimiento a la artista Ana María Solimano, su docente en esa técnica en la Escuela Figari. Más adelante menciona también las enseñanzas de los artistas Claudia Anselmi y Daniel Tomasini.
Finalmente visitamos su taller, donde comparte con El Monitor otras obras: un libro de artista, pequeñísimos objetos textiles, obras de cuero, formas geométricas bordadas sobre papel.

El artista uruguayo Carlos Palleiro, residente en México desde los años del exilio, integra la muestra colectiva "Sin palabras. Un recorrido hacia la libertad" que se presenta en el teatro El Galpón cuando se cumplen 50 años del golpe de Estado en el Uruguay. En ese marco, Carlos participa con su exposición "Afiches con memoria".
Desde su casa en Puebla, en una entrevista por videollamada, el artista comenta algunos afiches expuestos; los aspectos gráficos y las circunstancias en que fueron realizados. Rinde homenaje a la rica tradición gráfica mexicana y al compromiso de sus artistas con las causas populares. Recuerda sus inicios en el afichismo, en la tarea militante.

Hoy en El Monitor salimos de paseo, y recorremos varias muestras expuestas en estos días en Montevideo.
Empezamos por el Museo Zorrilla y la muestra "Zoo" de Horacio Guerriero. Dibujos, pinturas, y una pareja de máscaras y bodypaint bailando tango.
De camino al Museo Nacional de Artes Visuales, nos detenemos en la Fotogalería del Centro de Fotografía del Parque Rodó.
Ya en el MNAV, recorremos la exposición con obra de Antonio Frasconi, "El camino verdadero", con curaduría de Enrique Aguerre. La serie de diez grabados "Los infrahumanos" (1945), donada por el artista al museo en 1950, y otras obras. Subimos a la muestra "Caudillos y silencios"; óleos de Arotxa, con curaduría de Jorge Cancela y Óscar Larroca. Terminamos la visita al MNAV con la muestra "Una exposición antológica": obra de Antonio Slepak, con curaduría de Manuel Neves.
Salimos rumbo al Prado. En el Museo Blanes pasamos por los trabajos de restauración de su fachada, y finalmente llegamos a la exposición de obra de Hilda López, "El espacio representado".
Seguimos recorriendo el Blanes, y visitamos la muestra "Exilios" de Linda Kohen.
De nuevo en ruta, vamos hacia el sur, y en el Museo Torres García participamos de la apertura de la exposición "Dicen..." de Rodrigo Fló (se puede ver la entrevista de El Monitor a Rodrigo, acerca de esta muestra, en el programa del 1 de julio).
Al día siguiente, en el Subte Municipal, asistimos a la apertura de la muestra "50 años del Golpe". En ese espacio presenciamos dos performances, una de Federico Arnaud y otra de Cecilia Vignolo.

Pincho entrevista al Director del MNAV, Enrique Aguerre y a Pedro "Pichín" Peralta, hijo de la artista sobre la muestra conjunta que exhibieron con el Museo Blanes luego del fallecimiento de Lacy Duarte en 2015. Pichin nos habla de la forma de trabajo y las obras de su madre a lo largo de su vida.

Macarena entrevista a Analía Sandleris en su taller. El trabajo en un díptico nuevo de gran formato y la alternancia entre las obras de gran tamaño y las obras pequeñas. La serie “Postales del camino”, de 2006. Sus collages y su trabajo con material de desecho. En la serie de obras pequeñas, la temática de las mujeres de su generación y los mandatos sociales: aquellos “moldecitos de cartón” con que se vestía a las muñecas, una historia de lo privado y de lo que las mujeres debíamos ser. Un paseo por su obra a través de su laptop: materiales como fotos, filtros, pasto, papel. Los pájaros en su obra, las “situaciones irreversibles” como tópico y algunos guiños a Lacy Duarte.

Con el apoyo de Fundaicón Itaú, el maestro Cardillo llega una vez al año al taller Cebollatí que dirige Claudia Anselmi; un grupo de discípulos lo espera para experimentar y hacer obra.
Día a día se muestra el desarrollo de los pasos necesarios para la técnica hayter, los resultados a la vista!

El artista conversa sobre su obra y su historia en el Taller Cebollatí como grabador y docente. Luego vemos pasajes de la inauguración de su muestra en el espacio Dodecá durante el 2017.

Recorrido por las calles de Florencia y visitando el Museo Nacional de Bargello y la Escuela Internacional de Artes Gráficas de Florencia "Il Bisonte" donde entrevistamos al Maestro Manuel Ortega.