Wifredo Díaz Valdéz falleció pocos días antes del cierre de su gran exposición Anatomía de la madre madera, realizada en la sala 5 del Museo Nacional de Artes Visuales (mnav) con la curaduría de Gabriel Peluffo Linari.
Conmovidos con la pérdida, pero a la vez celebrando el legado que nos deja Wifredo con su inmensa obra, y en su memoria es que compartimos este programa en el que recorremos la exposición junto a Peluffo, y editamos algunos minutos de material de archivo de encuentros y momentos con Wifredo, en su muestra en el Instituto Goethe con la curaduría de Alfredo Torrees, en la Bienal de Venecia cuando representó a Uruguay con Tiempo (Tiempo) Tiempo con la curaduría de Carlos Capelán y Verónica Cordeiro (2013) y de la puesta en sala de Viento Pampero y El Monte en flor en la Fundación Pablo Atchugarry, una producción de pozodeagua.

Hoy en El Monitor repasamos tramos de algunos de los programas emitidos durante el año 2024.
Adela Casacuberta y su obra en el MNAV; Eduardo Laureiro en Galería 310. La presentación del catálogo de la Colección Mariano Arana por Rafael Lorente en el Museo Gurvich. Las charlas con Gustavo Tabares en el MAPI y con Ricardo Lanzarini en el Subte Municipal. Dos videollamadas con Martha Kohen desde la Art Basel Miami 2024: la primera, acerca de la obra de Linda Kohen expuesta en ese evento por galería Sur; la segunda, con Guillermo García Cruz, que también participa con su obra en la Art Basel. Finalmente, la presentación del libro "Octavio Podestá. Tras la forma" de Gabriel Peluffo Linari en el Centro Cultural Terminal Goes, con la presencia del autor, del artista y de Walter Tournier.
Al igual que todos los programas, estos que hoy revisitamos están publicados en forma completa en el archivo elmonitorplastico.com.

La palabra italiana «percorso» no tiene una correspondencia literal en el castellano. Habitualmente es traducida como «recorrido», elección que deja velada la esencia de la palabra en el original: un movimiento que atraviesa, una dirección definida, un dinamismo marcado. Es revelador conocer la etimología de la palabra: proviene del latín per currere, «correr a través».
En este programa la artista Judith Estela Britez Di Sano, junto a la cocuradora Giulia Ampollini, recibe a Macarena Montañez en la muestra «Percorso Madí», en el Museo Torres García. Es precisamente Giulia quien profundiza en el significado de la palabra «percorso», mientras que Judith nos relata que la elección del nombre surgió en una búsqueda conjunta con el cocurador de la muestra, el también artista Marcelo Larrosa, su compañero.
El uso de una palabra en italiano también alude a las raíces familiares: su abuelo Vincenzo Di Sano, escultor, y su abuela, también artista, nacieron en Italia. Judith, además, ha expuesto su obra allí; «percorso» también alude a ese movimiento.
Giulia Ampollini nos habla del otro componente del título: Madí, una corriente artística multidisciplinar que surgió en la década del cuarenta en Buenos Aires. Fundada por los uruguayos Carmelo Arden Quin y Rhod Rothfuss y por el argentino-húngaro Gyula Kosice, Madí fue una de las primeras escuelas de arte abstracto en Latinoamérica.
En la muestra se encuentran tres vertientes: la geométrica, con las obras concretas; los trabajos más identificados como Madí; y el arte constructivista. Agradece el apoyo de Sofía Kunst, quien fuera esposa de Carmelo Arden Quin.
La artista se interesó en la teoría de Madí a partir del año 2009. Encontró que iba en la misma línea del trabajo que desarrollaba en el ámbito de lo social: la ruptura con las normas establecidas, la búsqueda de caminos nuevos (en definitiva, como en el título: «correr a través»). Rescata el aspecto lúdico de Madí, que Carmelo Arden Quin asimiló de Torres García, con quien había generado un vínculo importante. Judith recoge ese componente lúdico y lo considera clave en su propia obra.
La artista investiga materiales diversos: cartón, hierro, acrílico, textiles, cuero.
Vemos monocopias y obras realizadas en hierro. En estos casos el proceso se inicia con una forma geométrica en cartón que será la matriz de impresión de una monocopia. Finalmente, a partir de esa forma impresa, en muchos casos se genera un trabajo en hierro.
La cámara de Macarena luego recorre obras en telar; algunas de ellas de singulares proporciones, muy angostas y de gran longitud. Judith hace un reconocimiento a la artista Ana María Solimano, su docente en esa técnica en la Escuela Figari. Más adelante menciona también las enseñanzas de los artistas Claudia Anselmi y Daniel Tomasini.
Finalmente visitamos su taller, donde comparte con El Monitor otras obras: un libro de artista, pequeñísimos objetos textiles, obras de cuero, formas geométricas bordadas sobre papel.

Hugo López Chirico empezó a pintar en 2018, a sus 82 años, después de un largo recorrido por la música como director de orquesta, pianista, docente y autor de libros. Había dirigido la Orquesta Sinfónica Municipal, la Ossodre y la Filarmónica de Mérida, en Venezuela. La iniciación en la pintura ocurrió unos meses después de un infarto, en el encuentro con un Delaunay y "un azul increíble", y con una llamada a su amigo Miguel Battegazzore.
El maestro López Chirico venía transitando por las artes visuales desde décadas atrás, en la escultura. Su primera obra, de 1973, realizada como reacción al golpe de Estado, fue vista con entusiasmo por su amigo Germán Cabrera, quien le auguró que seguiría creando, como ocurrió. En 1989 llegó a la expresión gráfica a través del recurso didáctico que usó para sus clases de historia de la música. Fotocopiaba partituras, las yuxtaponía en grandes "pancartas", y con colores destacaba la estructura de la pieza. La diagramación del tiempo (que estaba en la música) se transformaba en una diagramación en el plano (en el gráfico resultante). De una expresión fundamentalmente diacrónica como la música, pasaba a una fundamentalmente sincrónica (aunque, aclara, diacronía y sincronía son rasgos predominantes, no absolutos).
Menciona músicos que encontraban vínculos entre sonidos y colores (Olivier Messiaen, Antonio Mastrogiovanni). No es su caso, de todos modos; Hugo no hace un "análisis molecular" de correspondencia entre notas y colores, sino "estructural", el color sigue a la estructura de la composición musical.
En nuestra charla en su taller menta a artistas admirados, en la música (Beethoven, Chopin, Roussel, Ravel, Debussy) y en artes visuales (Monet, Cézanne, Chagall, Figari, Bonnard, los Delaunay, el escultor Naum Gabo). Recuerda con admiración a sus maestros de dibujo en su Melo natal: Violeta Varela Escofet ("escultora magnífica", con una obra transgresora); el "fantástico académico" Puig, el maestro Américo Espósito.

Entrevistamos al escultor Gonzalo Balparda mientras recorremos su exposición "La urdimbre de hierro" en la Sala Carlos Federico Sáez.
Gonzalo comenzó su actividad artística en 2006, en la pintura. De esta etapa destaca su experiencia en el taller del maestro Guillermo Fernández, que fue quien, nos dice, "armó la base de la estructura que me quedó en la cabeza" cuando pasó a la escultura en el 2012.
Entre mulitas y medusas, polillas y máscaras, el artista nos muestra "la urdimbre" que da nombre a la exposición, el entramado de varillas de hierro que es la base sobre la que va soldando las piezas.
Nos habla de su interés por encontrar imágenes potentes; de su "pelea interna" entre abstracción y figuración; de la herencia del constructivismo.

Entrevista a los tres artistas expositores en la sala de arte Nicolás Loureiro del Teatro El Galpón, inaugurada en 2019 con una muestra homenaje a Octavio Podestá. La muestra Dieste Gonella Piñón abre el ciclo expositivo del año 2020, y es una coproducción de pozodeagua con el teatro. Tres artistas jóvenes, nacidos al recuperar la democracia en nuestro país, presentan pintura y escultura en diálogo.

Muestra de Pablo Uribe “Aquí soñó Blanes Viale” MNAV 8 de noviembre al 3 de marzo 2019. Entrevistas al equipo de trabajo, y sobre la intervención del MNAV.
“Que una obra te lleve a la otra”

Entrevista en su taller de Montevideo, editada con imágenes de sus últimas exposiciones en el EAC y Galería SOA, y visita al Museo Zorrilla, donde fue inaugurada el 7 agosto de 2018 su individual: "Nuevos ensayos para Ecoeuritmia".

Andrés Santángelo habla de sus comienzos: sus clases de talla en madera con el escultor español Javier Nieva desde los doce años, su pasaje por Carpintería de la UTU y los Talleres Don Bosco y su pasaje por Arquitectura. En 1999 comienza a dar clases y trabaja con Javier Abdala. Los “perros” que presentó en el MNAV, “a lo Diego Masi”. Sus obras en Galería Marte. Sus instalaciones en el World Trade Center. Su interés por la escultura figurativa del español Juan Muñoz y su admiración por el inglés Anthony Gormley